L'art commence là où s'arrêtent les mots 

La peinture c'est la couleur du temps

FIGURATIF, NON FIGURATIF, ABSTRAIT

* Je n’oppose pas la peinture abstraite à la peinture figurative. Une peinture devrait être à la fois abstraite et figurative. Abstraite en tant que mur, figurative en tant que représentation d’un espace. Nicolas de Staël

* Il n’y a pas d’art figuratif et non figuratif. Toutes choses nous apparaissent sous forme de figures. Picasso

* Cela n’existe pas, l’art non figuratif. Tout tableau montre un objet, une figure Philip Guston

* Ce style qu’on qualifie de non-figuratif, qu’il s’agisse de bandes colorées, de touches de pinceau ou de cibles, je trouve ça trop limité. Philip Guston

* Je ne me suis jamais considéré comme un peintre abstrait, du moins au sens d’une recherche de la non représentation absolue. Je ne fais pas d’aplats géométriques et je n’en ai jamais fait : j’ai toujours représenté quelque chose. Il y a toujours une allusion à une chose éprouvée, à un souvenir. Toujours la sensation de la chose vue. Paul Kallos

* Se rappeler qu’un tableau, avant d’être une représentation de quoi que ce soit,c’ est une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées, et pour le plaisir des yeux. Maurice Denis

* Des grottes d’Altamira à Picasso, la peinture a toujours été abstraction. Antoni Tapies

* Qu’importe le degré d’abstraction dans une œuvre si elle répond à la propreté du sentiment inédit, poétique ou plastique, ou les deux à la fois mais inédit ! Pablo Gargallo (sculpteur)

* La peinture a une valeur intrinsèque, indépendamment de la représentation réelle des objets Picasso

* Le peintre peut goûter, à manier les éléments plastiques, une ivresse et une émotion aussi grandes qu’à les copier tels qu’ils se présentent dans la réalité. L’essentiel, c’est que les combinaisons plastiques qui dorment au fond de l’inconscient de chacun soient mises au jour à la faveur d’un spectacle entrevu. André Lhote

* Je crois que rien n’est plus abstrait, plus irréel que ce que nous voyons. Nous savons que tout ce que nous pouvons voir du monde objectif, comme les hommes, n’existe pas vraiment comme nous le voyons et comme nous le comprenons. La matière existe bien sûr, mais n’a pas de signification intrinsèque, comme celle que nous lui attachons. Nous pouvons juste savoir qu’une tasse est une tasse, qu’un arbre est un arbre (…) Giorgio Morandi

* Vous nous avez tués, nous les peintres, avec votre photographie. Moi, votre petit-fils, il faut que je trouve quelque chose . J’ai trouvé l’art abstrait Picabia

* Si je veux peindre l’irréel comme les abstraits, je dois alors peindre le réel, car l’irréel ne réside que dans la réalité. En peignant le réel, je peux laisser deviner l’irréel Franz Radziwill

* Il faut de l’imitation et même un peu de trompe-l’œil, cela ne nuit pas si l’art y est Emile Bernard

* Inventer c’est, avec des moyens abstraits, rester dans le domaine de la suggestion, c’est là l’équilibre, suggérer n’est pas donner l’illusion de ce que l’on voit, c’est d’évoquer la réalité, la la synthèse de la réalité, avec des moyens venant de l’esprit Georges Valmier (peintre cubiste)

- Je ne crée pas une femme, je fais un tableau. Matisse
          La peinture est l’organisation de l’espace sur une surface déterminée. Organiser l’espace, c’est trouver une harmonie qui permettra au créateur et au regardeur de l’œuvre de se rencontrer.  
          Depuis plus de trente ans, l’objectif, s’il y en avait un, était de découvrir ma propre écriture comme l’enfant finit par transgresser les pleins et les déliés péniblement appris à l’école pour aboutir à un graphisme semblable à nul autre. Comme le peintre doit également finir par s’extirper du moule du maître et trouver sa singulière écriture.
 Au-delà de l’originalité et par une démarche de chercheur, il s’agissait pour moi de laisser advenir ce à quoi je devais arriver. Le plus dur en peinture n’est ni le fond ni la forme mais bien de sortir de la comparaison : pour le créateur  «  faire comme.. », et pour le spectateur «  ça ressemble à… ».
          Après des années d’errements dans une peinture à toute autre comparable, le travail que je propose est relativement récent et j’espère transitoire, puisqu’il n’a que deux années d’existence même si les racines et les germes sont, bien sûr, plus anciens. L’hiver a été long ….
          Dubuffet dit : « Jeux du hasard ? Non, ce que le papier prend y est : c’est seulement qu’on ne le voyait pas ».
          La base de mon travail va dans ce sens. Partir de ce qui est, partir de ce qui devient, sans imagination, sans idée, simplement utiliser ce que la matière offre, ce que le mouvement impose. La forme vient en dernier, pour donner sens et harmonie. L’aléatoire et le chaos ne sont pas une finalité mais une base de développement. L’idée ne précède jamais l’exécution.
 
          Alexander Cozens (1717 – 1786) : « A la réflexion, il m’apparut que les taches sur le papier, bien que des plus indistinctes, m’avaient inconsciemment incité à exprimer l’aspect général d’un paysage ».
 
 

            La créativité n’est pas une question de savoir-faire. Elle est une ouverture vers le savoir être.

            Finalement quels sont les peintres qui ont laissés une trace dans l’histoire de la peinture ? Quels sont ceux qui font actuellement référence, ceux qu’on admire, qu’on cite, dont les œuvres sont incontournables car ils ont marqués l’histoire de la peinture et pour encore longtemps ? Ce sont ceux qui ont libéré leur créativité, inventé sans se soucier de ce qui se faisait ou ne se faisait pas, se disait ou se taisait. Peut-être comme l’enfant qui, jusqu’à un certain âge, n’a pas d’autres soucis ni d’autres moyens que d’utiliser sa créativité pour s’exprimer, pour se construire.

            Et s’ils ont laissé cette trace maintenant indélébile, c’est aussi parce que le spectateur de leurs œuvres sait y voir et y reconnaître toute la créativité qui fait l’originalité d’une œuvre. Et pour voir et accepter la créativité de l’autre encore faut-il pouvoir laisser parler sa propre créativité et non pas s’être laissé enfermer dans les canons théoriques du jugement.

            Toute personne qui se retrouve face à la toile blanche est comme l’écrivain face à la page blanche. Pourtant, ni ce peintre ni cet écrivain ne se trouve réellement et foncièrement face à ce  vide supposé et repoussant.  

            Toute personne qui entreprend de peindre est loin d’être face à une surface vide. Si telle était le cas la personne elle-même serait dans cet état et une personne vide n’a plus aucun désir, et sûrement pas celui de peindre et de créer. Pour celui qui accepte de laisser libre court à sa créativité, le vide est porteur et créateur.

            Face à la toile blanche le peintre va chercher dans sa bibliothèque intérieure ce qu’il pourrait mettre, ce qu’il pourrait faire pour éviter l’angoisse du vide. L’angoisse de ne pouvoir créer et surtout celle de déplaire. Eviter l’inconnu en utilisant du connu à la fois pour lui mais aussi pour le futur spectateur de son œuvre qui pourra ainsi « comprendre ». Le piège étant de vouloir (volonté, mental) faire pour pouvoir finalement mettre un mot sur, pour ranger dans une boîte, dans une catégorie. Est-ce qu’un coucher de soleil  peut exister et être admiré que parce qu’on peut le nommer ?

            Peut-on percevoir une chose, une création pour et dans ce qu’elle est, et non pas au travers du filtre de nos connaissances, d’un savoir rassurant ? Comme le voyageur qui arrive sur une terre étrangère ne cherchera pas à retrouver ce qu’il vient de quitter. Il se laissera au contraire surprendre et impressionner par la nouveauté ou alors se contentera de voyager à travers des guides et des revues. De même pour le spectateur d’une toile qui ne la goûtera qu’au travers d’une lecture de la veille.  

            En fait toute personne en présence de la toile blanche se trouve devant un miroir,  prisonnier dans une quadruple problématique qui l’enferme tel le boxeur sur un ring qui a au moins la « chance » de pouvoir se mesurer à un adversaire. La toile n’est pas un adversaire. La toile est un écran sur lequel va se projeter la lumière du peintre. Cette toile blanche est paradoxalement et dans une certaine mesure comme un trou noir. Mais à l’inverse du trou noir qui absorbe et fait disparaître toute énergie et toute lumière, la toile blanche sert de support à la lumière et à l’énergie du peintre.  

            Paradoxalement, le vide de la toile renvoie le peintre à l’état inverse, celui de quelqu’un dont la tête est tellement pleine d’idées, de concepts, de notions, de perspectives, de représentations, de constructions, de projets, de peurs et de freins qu’il lui est parfois très difficile de démarrer un tableau, empêtré comme un joueur d’échec devant la multiplicité des coups à jouer, des coups de pinceau à donner.

            Toute personne qui commence la peinture se trouve pris au piège dans cette quadrature du cercle que sont la « Comparaison », l’ « Imitation » la « Répétition », l’ « Intention ».

            La Comparaison : c’est celle du peintre qui arrive à l’atelier gorgé d’images et de lectures, ivre de visites dans les musées, débordant d’enthousiasme pour tel ou tel peintre sur lequel une abondante littérature fait son commerce. Cet apprenti semble aborder la peinture d’un œil neuf et pourtant celui-ci est déjà inexorablement pollué par les images des autres, par ceux qui font référence, par les incontournables, par ces monuments indéboulonnables que sont les peintres consacrés et auxquels il va se comparer et qu’il ne peut, dans son geste maladroit, s’empêcher de copier. Faire comme, peindre comme. Combien de temps faudra-t-il avant qu’il ne soit le véritable auteur de son propre geste comme l’enfant finit par avoir cette singulière écriture qui n’appartient qu’à lui ?

            L’Imitation : c’est celle de l’imitateur au théâtre. On rira de lui et de celui qu’il imite, mais en pensant à l’autre, le vrai, le modèle. Du peintre on dira qu’il a la même touche que ... mais il n’est pas lui-même. Il peint aussi bien que, mais quel intérêt puisque ça déjà été fait. Quel intérêt pour les autres, l’œil s’appuie sur l’œuvre du maître, quel intérêt pour le spectateur qui ne se laissera pas abuser par le contenu même si l’étiquette de la bouteille est jolie. L’imitation c’est laisser croire que l’on peut rivaliser avec son inspirateur alors que n’est révéler qu’un pauvre talent qui ne trompe personne et surtout pas la personne elle-même qui se lassera vite d’un travail sans personnalité.

            La Répétition : c’est celle du peintre qui enfin a trouvé « la » touche, ce coup de pinceau unique et original qui va lui donner une identité, une marque de fabrique reconnaissable entre toutes et que d’autres ne pourront s’empêcher de lui envier. Inlassablement il va reproduire de la même façon un tableau, qui sera certes différent à chaque fois mais qui sera pourtant toujours le même, de peur de perdre cette trouvaille qui aura fait de lui un peintre reconnaissable entre mille. La répétition c’est la perte de sa créativité, l’enfermement dans un savoir-faire, un abandon du savoir être. La répétition c’est aussi ce petit morceau réussi et séduisant à l’extrême et que l’on s’efforce d’étendre à l’ensemble du tableau en pensant que cette opération mathématique de l’unique au multiple donnera le même résultat.

            L’Intention : c’est celle de celui qui sait avant d’avoir commencé ce qu’il va faire, comment il va le faire, c’est l’intention du voyageur qui connaît par cœur son itinéraire à force d’avoir étudié toutes les cartes, tous les guides et qui ne laisse rien au hasard et ne veut surtout pas se laisser surprendre par un trait de pinceau qui pourrait l’emmener dans quelque obscur recoin de sa créativité. L’intention c’est le contrôle, c’est le tableau peint dans les règles de l’art mais avec des règles de grammaire. La poésie n’obéit pas à la règle. Le peintre établi des règles au fur et à mesure de son travail et non pas en utilisant celles d’un autre.

            Ces quatre notions valent également pour le spectateur qui souvent n’apprécie une œuvre que parce qu’il peut la comparer et ainsi se rassurer en restant dans le connu. Ces quatre notions valent également pour notre chemin de vie. Nous comparons, nous imitons, nous répétons et nous sommes dans l’intention jusqu’à plus soif.

            Heureusement pour nous et malheureusement aussi, nous avons besoin de ces quatre notions que sont la comparaison, l’imitation, la répétition et l’intention, et ceci dans tous les domaines et depuis toujours. Comment l’enfant grandirait-il sans avoir en permanence sous le regard d’autres lui-même auxquels il peut se référer pour croître et devenir auteur à son tour ? Comment l’élève pourrait-il apprendre sans un accompagnement du maître qui va l’initier, le guider et qui, s’il est un véritable maître, saura l’accompagner jusqu’à son émancipation artistique ?

            Aussi le rôle du maître d’atelier, comme dans un autre domaine le rôle du thérapeute, sera d’accompagner l’élève pour qu’il gagne chaque fois un peu plus en autonomie jusqu’à pouvoir prendre son envol. Prendre son autonomie ne veut pas dire abandonner et rejeter la comparaison, l’imitation, la répétition et l’intention, mais faire avec. S’en servir comme un support à son propre service et non pas comme écran à sa créativité, comme écran pour séduire le spectateur.

            Chacun de nous est créateur potentiel (de sa vie, de son environnement) à condition d’être en mesure de pouvoir développer ses ressources imaginatives et favoriser son affirmation de soi. Nous ne pouvons nous inspirer que de nous-mêmes.

            Le travail créatif, et surtout la peinture, est une exploration en temps réel de ses capacités de création. Il est à la fois le but et le chemin. Créer c’est se connaître, mesurer ses peurs et ses craintes, voir ses difficultés à accepter le changement, accepter ses confusions et blocages. Créer c’est sortir du jugement, comprendre ses freins, se libérer des attachements au connu, accepter l’inconnu.

            La peinture est une libération en temps réel de ses capacités de création. Elle n’est pas le résultat d’une mise en pratique d’un apprentissage théorique. En peinture le but et le chemin vont de paire et le tableau n’est terminé que par une décision arbitraire de son auteur et non pas comme dans beaucoup d’autres activités parce que le bas de la page est atteint. En peinture difficile de se perdre quand on ne sait pas où l’on va et c’est le cul-de-sac assuré si on se laisse prendre par la comparaison, l’imitation, la répétition et l’intention.

            Picasso, Miro ont dis qu’il avaient passé leur vie à désapprendre à dessiner.

            Degas disait : quand vous achetez un tableau 300 F, c’est que vous l’aimez. Quand vous achetez un tableau 30 000 F, c’est que les autres l’aiment.




A propos d'une demande pour un stage :
Je ne suis pas opposé à ce que votre fils participe au stage, sachant que ce
sera nouveau pour moi d'avoir à transmettre ma démarche à un enfant de cet âge.
Il faut savoir, et je pense que vous avez pu le voir sur ma galerie, que pendant
cette journée de stage nous ne travaillons pas sur la forme. C'est à dire que la
démarche ne consiste pas à mettre la couleur sur une forme installée sur la
feuille. Ce serait plutôt l'inverse. Nous travaillons d'abord le fond pour aller
vers la forme, s'il y a lieu. La peinture peut très bien rester abstraite.
Ce qui compte c'est l'harmonie, le rythme, la composition.
Je sais par expérience que cette démarche peut être déroutante pour les adultes
alors pour un enfant je n'ai aucune idée sur la façon dont il peut accueillir
cette démarche. Ayant par ailleurs et dans un autre cadre (plus formel) animé
des cours de peinture pour les enfants,
plus ou moins dix ans, j'ai pu noter que le travail sur l'abstraction n'était
pas vraiment leur tasse de thé et qu'ils sont plus à l'aise dans le figuratif. A
cet âge, les enfants sont en pleine construction, aussi leur demander de faire
un travail commençant par la déconstruction, sans l'installation, le repère et
l'aide d'une forme peut être difficile.

            

                    


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